16 films qui ne choquent PAS à 100% sur les tomates pourries

Un nouveau film arrive sur le site de compilation critique Rotten Tomatoes, et il maintient un score parfait de 100% Fresh même après la rafale initiale de 25, 50, voire 75 critiques. Après cela, cela devient un jeu d'attente parmi les abonnés du site, car ils actualisent leur navigateur à plusieurs reprises tout au long de la journée pour voir quel critique osera le faire tomber à 99% avec une critique de Rotten. Une fois que cela se produit, le débat commence. Ce critique est-il honnête? Ou est-ce que ce critique est simplement un - halètement! - à contre-courant, faisant sauter le film de sa haute perche uniquement pour le plaisir de quelques instants d'infamie sur Internet (et de pages vues)?

C'est impossible à dire, même si nous aimerions pécher par excès d'intégrité. En tout cas, cette voix solitaire contre la majorité n'est pas un phénomène nouveau, car même les classiques d'antan - les films perpétuellement évoqués dans les discussions sur les plus grands films jamais réalisés - ont fait l'objet de critiques peu flatteuses ici et là. Fait intéressant, bon nombre de ces critiques, bien que vieilles de plusieurs décennies, ont été conservées (via des liens) sur Rotten Tomatoes.

Heureusement, de nombreux chefs-d'œuvre reconnus du cinéma - des films comme Citizen Kane, All About Eve, Singin 'in the Rain et The Maltese Falcon - maintiennent à juste titre une note de 100% Fresh sur le site. D'autres joyaux ne sont pas aussi chanceux. Voici donc 16 films dont vous serez choqués d'apprendre qu'ils n'ont pas 100% de tomates pourries.

16 POUR TUER UN OISEAU MOCKING (91%)

La performance oscarisée de Gregory Peck en tant qu'avocat Atticus Finch est le fondement de To Kill a Mockingbird de 1962, l'un de ces rares cas où un film capture l'essence de sa source sans jamais la compromettre. Un superbe regard sur la façon unique dont les enfants voient le monde qui les entoure, cette adaptation du roman primé du prix Pulitzer de Harper Lee trouve la fille d'Attique Scout (Mary Badham) apprenant de précieuses leçons de vie en regardant son père défendre un homme noir (Brock Peters) contre des accusations de viol frauduleux dans une petite ville du sud.

Au moment de la sortie du film, Andrew Sarris a offert une critique fulgurante dans Village Voice, le qualifiant de «film trompeur surfait» et déclarant que «le Noir est moins un personnage arrondi qu'une construction libérale.

infiniment plus noble que ses accusateurs de poubelle blanche [et] incroyablement pur de cœur. " Analysant (peut-être injustement) le film dans une perspective moderne, Roger Ebert a passé sa critique de 2001 à fustiger largement ce qu'il percevait comme de la naïveté, en particulier dans des scènes qui, selon lui, ne pouvaient désormais être «rencontrées qu'avec un cynisme las.

Tuer un moqueur est, comme je l'ai dit, une capsule temporelle. Il exprime les piétés libérales d'une époque plus innocente. »

15 PARTI AVEC LE VENT (94%)

D'un point de vue social, cette adaptation de 1939 du best-seller de Margaret Mitchell reste ancrée dans la controverse. Avec La naissance d'une nation de DW Griffith, Autant en emporte le vent est le film le plus chargé de blanchir les maux du racisme et, en fait, de rendre une vision romancée du Vieux Sud acceptable pour la nation dans son ensemble. Pourtant, purement d'un point de vue cinématographique, ce drame sur les luttes d'une famille du Sud pendant la guerre civile est un véritable trésor, une épopée captivante se distinguant par des réalisations à couper le souffle dans le cinéma pur. De toute évidence, les critiques ont toujours réagi plus fortement à ses prouesses techniques qu'à son point sensible, car il a longtemps été présenté comme l'une des plus belles réalisations d'Hollywood.

Il y a eu quelques dissidents en cours de route. Arthur Schlesinger, revisitant le film lors de sa réédition en 1973, a écrit dans The Atlantic qu'il était accablé par «un bourbier de sentimentalité peu convaincante. Il aspire à l'opéra et réalise le feuilleton. C'est un ennui. " Le collègue atlantique de Schlesinger, Richard Schickel, qui a également attrapé cette réédition de 1973, a en outre estimé que le film était "curieusement sans vie - principalement des conversations et des discussions très fleuries." Il l'a rejeté comme «brillant, sentimental, ricané».

14 C'EST UNE VIE MERVEILLEUSE (94%)

Dans 1946 It's a Wonderful Life de Frank Capra, James Stewart livre sans doute sa plus grande performance en tant que décent George Bailey, qui a besoin d'une intervention céleste pour l'aider à traverser ce qui ne peut être décrit que comme sa nuit noire de l'âme. It's a Wonderful Life a le pouvoir de faire pleurer les téléspectateurs, et il ne le fait pas en appuyant sur des boutons de manière flagrante, mais en montrant honnêtement comment la vie d'un individu est vraiment quelque chose à célébrer.

Les détracteurs de Capra appellent souvent ses images «Capracorn», et ce terme péjoratif peut être trouvé dans le retrait de Manny Farber du film dans la Nouvelle République. Comme il le dit, "It's a Wonderful Life, le dernier exemple de Capracorn, montre son art à un niveau hystérique." Farber continue ensuite de critiquer «les caractérisations absurdement simplifiées et la fantaisie insupportable» du réalisateur.

13 UN VOL SUR LE NID DU COUCOU (95%)

Remarquable comme l'un des trois seuls films à avoir remporté les cinq principaux Oscars (It Happened One Night et The Silence of the Lambs sont les autres), One Flew Over the Cuckoo's Nest de 1975 est tout aussi superbe qu'une comédie, un drame et une critique sociale.. Jack Nicholson est sensationnel en tant que Randle McMurphy, un télégramme en direct qui simule la maladie mentale et se retrouve dans une institution dirigée par l'infirmière dictatoriale Ratched (Louise Fletcher).

Deux gros bonnets aux États-Unis, Vincent Canby du New York Times et Richard Schickel du TIME Magazine, ont tous deux tourné le film à sa sortie, bien que ce soit la critique de 1976 du scribe britannique Kenneth Robinson dans The Spectator qui apparut comme la plus hystérique - dans les deux sens de le mot.

Révélant injustement le destin ultime de McMurphy dans le premier paragraphe, Robinson continue d'appeler le film "dégoûtant" et "terriblement horrible" avant de conclure que, "à part de très bonnes performances, le film n'a rien à m'offrir - à part un sentiment soutenu de la nausée."

12 LISTE DE SCHINDLER (96%)

Il n'a pas fallu longtemps pour que le drame de l'Holocauste de Steven Spielberg en 1993 s'établisse dans les annales du cinéma. Sa domination sur les 10 meilleures listes de fin d'année de la critique était une évidence, tout comme sa victoire aux Oscars du meilleur film. Mais c'est en 1998 que Schindler's List a vraiment fléchi ses muscles comme un classique instantané. Cinq ans à peine après la sortie du film, l'American Film Institute l'a placé n ° 9 sur sa liste des 100 plus grands films américains de tous les temps, et la refonte de 2007 de la liste l'a propulsé d'un cran au n ° 8.

Pourtant, tous les critiques n'étaient pas en admiration devant la réussite de Spielberg. Un dissident était Joanne Kaufman de People Magazine, dont les critiques reposaient sur le personnage central d'Oskar Schindler (Liam Neeson), le profiteur de guerre allemand qui, à lui seul, a sauvé des milliers de Juifs de l'extermination. Comme l'écrivait Kaufman, «le film n'explique jamais avec succès ce qui pousse Neeson, un membre du parti nazi, un homme jusqu'ici banal et franchement un peu cadet et porcin, à un tel changement d'esprit et de cœur et à des actes d'héroïsme si spectaculaires. [H] est le moment épiphénoménal

semble mince et tapoté."

11 ANNIE HALL (97%)

Après des années de production d'images conçues uniquement pour déclencher des rires chaleureux, Woody Allen s'est étendu en tant que cinéaste avec Annie Hall de 1977, une sériocomédie hors pair dans laquelle le névrosé Alvy Singer (Allen) réfléchit sur sa relation avec Annie Hall, également névrotique (Diane Keaton). Les critiques, le public et les membres de l'Académie ont adopté le film avec enthousiasme, et Allen n'était plus considéré comme un simple comédien brillant mais aussi un génie artistique.

Pourtant, c'est précisément la capacité d'Allen à tourner le coin de sa carrière qui a conduit Gary Arnold du Washington Post à exprimer ses griefs avec le film. "Après des farces slapstick aussi exubérantes et hilarantes que Sleeper et Love and Death, Annie Hall se présente comme une déception douce, floue et légèrement divertissante", écrit-il. «Bien qu'il y ait des répliques et des situations amusantes, elles ont tendance à être largement dispersées. Personnellement, je ressens le changement dans l'approche d'Allen comme une privation, tant sur le plan émotionnel que stylistique. »

10 PSYCHO (97%)

Mais tout le monde n'était pas électrifié par le film du Maître. TIME a également baissé les yeux sur celui-ci, bien que ce soit Robert Hatch de The Nation qui ait été particulièrement exaspéré par la photo. "Je suis offensé et dégoûté", a-t-il révélé. «Les détails cliniques de la psychopathologie ne sont pas importants pour un divertissement insignifiant. Psycho vous met dans une position de scrubernecking aux horreurs de l'esprit malade; cela vous fait vous sentir impur."

9 MÂCHOIRES (97%)

Confié au best-seller gargantuesque de Peter Benchley à propos d'un grand requin blanc terrorisant une communauté en bord de mer en Nouvelle-Angleterre, Steven Spielberg s'est retrouvé à travailler avec un matériau source extrêmement mince. Avec un seul autre crédit sur grand écran (The Sugarland Express de 1974) à son actif, le risque de catastrophe était énorme - d'autant plus que le requin mécanique ne fonctionnait pas la plupart du temps!

Le réalisateur, à partir d'un scénario amélioré sur le livre, a finalement façonné un classique instantané avec Jaws de 1975, un film qui doit la majorité de son succès à la superbe orchestration de Spielberg des décors et des séquences de choc passionnants.

Tout en concédant que les séquences de requins ont été «faites avec suspense», le critique du Los Angeles Times Charles Champlin a néanmoins qualifié Jaws de «travail grossier et exploitant qui dépend de l'excès pour son impact». Et tandis qu'il admirait les performances de Roy Scheider et Richard Dreyfuss, il a noté que «A terre, c'est un ennui, maladroitement mis en scène et écrit grumeleux. [C'est] un mélodrame, large et évident. »

8 LAWRENCE D'ARABIE (97%)

L'épopée Lawrence d'Arabie de 1962 de David Lean a longtemps été considérée comme l'un des plus grands films cinématographiques jamais réalisés, et son statut s'étend bien au-delà de la communauté critique. Ses nombreuses distinctions comprennent sept victoires aux Oscars et un classement élevé (# 7) sur la liste 2007 de l'AFI des 100 meilleurs films américains. Quant à Peter O'Toole, tout le monde s'accorde à dire que sa performance star-making en tant qu'aventurier britannique TE Lawrence est sans faille.

Faites que presque tout le monde. L'un des critiques du personnel du Monthly Film Bulletin, une publication du British Film Institute qui est devenue plus tard une partie du très influent magazine Sight & Sound, a écrit que «la performance de Peter O'Toole, sympathique, intelligente et dévouée, n'a pas cette qualité de star ultime qui soulèverait le film avec lui."

De ce côté-ci de l'Atlantique, Bosley Crowther du New York Times a épargné O'Toole mais pas le traitement du film de son personnage, affirmant que le film «réduit une figure légendaire à la taille d'un héros de film conventionnel au milieu de paysages magnifiques et exotiques mais d'un paysage conventionnel beaucoup de clichés de films d'action."

7 CASABLANCA (97%)

Bogart et Bergman comme Rick et Ilsa. Laszlo et les lettres de transit. Le capitaine Renault et sa charmante corruptibilité. "Au fil du temps." "Je te regarde, gamin." Tu connais la routine. Donc, arrondissez les distinctions habituelles pour le Casablanca de 1942, dont la réputation comme l'une des images les plus populaires - et les plus citables - d'Hollywood reste intacte au fil du temps.

Casablanca a ravi les critiques et a en outre décroché l'Oscar du meilleur film, mais les curmudgeons du TIME Magazine n'en avaient rien. Dans la revue hebdomadaire des nouvelles sorties de la publication, le critique assigné a principalement utilisé sa critique pour commenter les apparences physiques des acteurs - pour commencer, Bogart "ressemble à Buster Keaton jouant Paul Gaugin", tandis que jowly SZ Sakall "devrait envisager de porter son visage dans un soutien-gorge "- avant de conclure, " Rien de moins qu'une invasion ne pourrait ajouter beaucoup à Casablanca. " Il est difficile d'imaginer que quelqu'un ait pris cette critique au sérieux car, dans la rédaction de l'un des autres nouveaux films couverts cette semaine (Once Upon a Honeymoon), le critique a appelé à plusieurs reprises Cary Grant comme «Gary Grant».

6 IL ÉTAIT UNE FOIS DANS L'OUEST (98%)

L'aviateur d'opéra de Sergio Leone reste remarquable pour un certain nombre de réalisations, y compris le casting du héros hollywoodien Henry Fonda en tant que tueur de sang-froid et la façon dont les visuels correspondent magnifiquement au score exceptionnel d'Ennio Morricone (Morricone a en fait composé sa musique avant le début du tournage de Leone). Mais ce n'est que dans d'autres pays que le public a pu profiter des 165 minutes de ce classique de 1968, puisque la version sortie aux États-Unis l'année suivante a été coupée de 20 minutes. Ce n'est que beaucoup plus tard que la coupe entière a été mise à disposition aux États-Unis.

Roger Ebert a examiné la photo lors de sa première apparition aux États-Unis en 1969, et c'est, oui, la longueur qui a conduit à sa critique tiède. S'il admet que le film est «très amusant» et se distingue par «quelques performances intéressantes», il déplore également le fait que «le film s'étire sur près de trois heures, avec entracte, et émette deux fausses alarmes avant qu'il ne se termine finalement.»

5 UNE DURE JOURNEE (98%)

Sorti aux États-Unis en août 1964, six mois après la légendaire apparition des Beatles dans The Ed Sullivan Show, le point de repère du réalisateur Richard Lester, A Hard Day's Night, ressemble à un documentaire, ressemble à une comédie musicale et ressemble à une comédie. À ce moment d'arrêt sur image, John, Paul, George et Ringo ne sont rien de plus que des innocents complets prêts à partager leurs sons joyeux avec le monde. Avec autant de morceaux classiques coulant de l'écran dans une course folle, il n'est pas étonnant que le film ait été décrit par le critique de Village Voice, Andrew Sarris, comme "le citoyen Kane des comédies musicales de juke-box".

Jonas Mekas, l'autre critique de Village Voice, n'était pas d'accord, et il a même utilisé sa critique pour prendre Sarris à la tâche. "Seul celui qui ignore complètement le travail des cinéastes du" nouveau cinéma américain "au cours des trois dernières années peut appeler A Hard Day's Night, même en plaisantant, le Citizen Kane du cinéma à main (Sarris l'a fait)." Quant à l'image elle-même, Mekas a grommelé: «Ni un bon acteur ni une bonne photographie ne peuvent faire un bon film.

Au mieux, c'est amusant. Mais le «plaisir» n'est pas une expérience esthétique: le plaisir reste à la surface. »

4 CHINATOWN (98%)

"Oublie ça, Jake. C'est Chinatown." Cette ligne immortelle suffit à faire pâlir tout amateur de cinéma, mais ce n'est qu'un des innombrables moments classiques de ce chef-d'œuvre néo-noir de 1974 du réalisateur Roman Polanski, du scénariste Robert Towne et de la star Jack Nicholson, ce dernier étant un œil privé dans les années 1930. Los Angeles qui s'implique dans un complot labyrinthique impliquant meurtre et corruption politique.

Le fait que Chinatown ait gagné l'admiration de ses pairs et par la suite décroché 11 nominations aux Oscars (remportant le prix du meilleur scénario original) n'a pas impressionné Gene Siskel, qui a écrit dans le Chicago Tribune qu'il trouvait le film «fastidieux du début à juste avant la fin. La majorité des problèmes se trouvent dans la direction de Polanski. Le plan d'ouverture de presque toutes les scènes a été si artificiellement surimposé que l'on se rend compte que Jack Nicholson porte des vêtements des années 30 alors qu'il se tient dans une pièce décorée pour ressembler à une pièce des années 30 tout en parlant de stéréotypes tirés d'un assortiment de films des années 30."

3 JOUET HISTOIRE 3 (99%)

La franchise la plus durable de Pixar a presque réussi le coup du chapeau, mais à la fin, elle a perdu un point de pourcentage. Certes, il est impressionnant que Toy Story de 1995 ait une note 100% fraîche de 78 avis. Et il est remarquable que Toy Story 2 de 1999 conserve également une note 100% Fresh avec 163 avis. Mais avec près de 300 critiques, les chances étaient dramatiquement empilées contre Toy Story 3 de 2010, ne trouvant pas quelques dissidents parmi les rangs.

Le chef de file de ces opposants était, bien sûr, l'ancien critique de New York Press, Armond White, dont la notoriété en ligne en tant que contre-courant provenait en grande partie de son dénigrement de ce film. Le même jour où il a soumis une critique enthousiaste pour Jonah Hex («True art»), White a décrit Toy Story 3 comme «un jeu ennuyeux dans lequel seul le lavage de cerveau va acheter. En outre, Transformers 2 [Transformers: Revenge of the Fallen] déjà exploré le même complot pour plus de frisson et d'opulence."

2 LE PARRAIN (99%)

Alors que les cinéphiles continuent de se demander si The Godfather ou The Godfather: Part II de Francis Ford Coppola est le meilleur de la trilogie (The Godfather: Part III des années 1990 n'entre jamais dans la discussion), on ne peut nier que le premier film a eu plus d'impact. que son suivi de 1974. Sorti en 1972, The Godfather a battu des records au box-office, relancé la carrière de Marlon Brando, fait une star d'Al Pacino et transformé "Je vais lui faire une offre qu'il ne peut pas refuser" en une citation de film omnisciente. Pourtant, aucun des films ne peut prétendre à une cote de 100% sur Rotten Tomatoes, avec la partie II à 97% de frais et l'original à 99% de frais.

La seule critique négative sur RT pour The Godfather est une gracieuseté du critique de la Nouvelle République, Stanley Kauffmann, qui s'est largement concentré sur les performances de Brando. «Je ne vois pas comment un acteur doué aurait pu faire moins que Brando ici. Son pouvoir résidant, sa force innée pure, a rarement semblé plus faible. » Kauffmann n'a pas épargné les autres participants, déclarant que Pacino "cliquetait dans une partie trop exigeante pour lui" et Coppola "avait gardé toute son ingéniosité limitée pour les tirs et les étranglements, qui sont parmi les plus vicieux dont je me souvienne."