Dans le cas des drames policiers, qu'est-ce qui nous accroche en premier? Serait-ce la personnalité de ceux que nous regardons résoudre ces cas? Tous ne sont pas des types secs et studieux qui ne peuvent pas apporter un peu de flair dans la procédure - même si l'on doit toujours être certain que le travail est un succès. Ou pourrait-il s'agir de la nature des enquêtes elles-mêmes? Chacun est lié à avoir quelques rebondissements, en particulier pour les récits populaires. Nous sommes enveloppés dans chaque nouvelle piste, le hareng rouge et peut-être de nouvelles victimes, et j'espère que tout cela mène à une conclusion satisfaisante.
Des salles de cinéma enfumées du film noir des années 40 aux mystères du meurtre à la fois factuels et fictifs, de nombreuses histoires policières ont laissé leur marque dans le cinéma. Qu'il s'agisse d'une piste charismatique, d'un récit sinueux ou des deux, ces 20 fonctionnalités ne sont qu'une petite fraction de ce grand genre, bien qu'elles représentent le meilleur des meilleurs. Voici le point de vue de Screen Rant sur les 20 meilleurs films policiers de tous les temps.
20 La fille au tatouage de dragon (2011)
Peu d'histoires de détective sont aussi brutalement aberrantes que «La fille au tatouage de dragon» de Stieg Larsson et pour cette raison, il était peut-être plus que approprié que David Fincher dirige l'adaptation anglaise. Le matériel fourni à Fincher est sombre, dont il n'est certainement pas étranger, et la vision qu'il a fournie dans les efforts passés (que nous verrons bientôt) correspond de manière appropriée au ton du roman et à son cadre.
Bien sûr, il est assez facile de noter le portrait incroyablement engagé de Rooney Mara de l'enquêteuse Lisbeth Salander, et elle brille à travers l'atmosphère généralement morne de Fincher. Mais, ce qui se démarque peut-être le plus, c'est le rythme rapide de Fincher. Son film peut durer un peu plus de deux heures et demie, mais la direction de la plupart des romans policiers, semble-t-il, est plus assurée et conduite académiquement. Dans ce cas, Fincher guide habilement son public à travers le récit sinistre de l'histoire assez rapidement pour les divertir, tout en faisant preuve de retenue en ce qui concerne les détails clés.
19 Dirty Harry (1971)
Si vous y réfléchissez, il n'y a pas beaucoup de qualités discernables qui séparent Harry Callahan de Clint Eastwood de son "Homme sans nom" dans la trilogie de Sergio Leone Dollars; échangez simplement le costume occidental et un six-shooter régulier pour les costumes et un.44 Magnum qui pourrait vous souffler la tête. Même lors de la fusillade finale avec Scorpion, les structures délabrées et les montagnes du désert ressemblent de façon frappante à n'importe quel endroit où Eastwood aurait été familier au milieu des années 60.
Néanmoins, Dirty Harry d'Eastwood est le dur à cuire stoïque consommé; c'est une routine, mais rien n'est à démontrer et ses méthodes peu orthodoxes sont authentiques. Eastwood le joue simplement, et son comportement et ses manières sont simples, et pourtant le personnage reste étonnamment énigmatique. Il ne faut pas s'étonner que le film se soit transformé en franchise, engendrant quatre suites couvrant la majeure partie de deux décennies. Le seul aspect malheureux de l'histoire du film a été une épidémie de lignes mal citées.
18 L'homme mince (1934)
Dans une liste mêlée de personnalités archétypales et non conventionnelles, ces deux détectives Charles, Nick (William Powell) et Nora (Myrna Loy) se retrouvent à cheval sur la frontière entre les deux. D'une part, les deux, en particulier Nick, illustrent la façon dont un acteur charismatique d'Hollywood doit se présenter. Comme beaucoup d'acteurs à son époque, Charles de Powell est calme, cool, rassemblé et porte une autorité silencieuse qui peut être portée à un volume élevé - devenir physique - si nécessaire. D'un autre côté, ces deux-là sont suffisamment humoristiques et spirituels pour trahir ces conventions et se débrouiller seuls. De plus, ce sont des ivrognes occasionnels, mais parce que c'était Hays Code Hollywood, ça a l'air chic.
Le moment déterminant pour tout mystère de meurtre est la grande révélation, et la scène culinaire du dîner dans The Thin Man présente une construction tendue et lente au dévoilement de la véritable identité du tueur. Les suspects se pressent autour de la table, et la caméra se déplace d'avant en arrière entre chacun d'eux et Nick alors qu'il parcourt de manière concise les événements les impliquant tous. N'importe qui pourrait être le vrai tueur, et quand cette révélation est faite, c'est très satisfaisant.
17 Insomnie (2002)
Christopher Nola s'est fait une réputation pour sa vision unique, en particulier en ce qui concerne ses projets en dehors de sa trilogie Dark Knight. Pour cette raison, il rejoint David Fincher en tant que réalisateur avec plusieurs films sur cette liste, et cela commence par le film qui lui a valu Batman Begins: Insomnia.
De nombreux films de cette liste se distinguent d'une manière ou d'une autre, mais Insomnia est particulièrement unique d'une manière. Comme nous le verrons, il ne se sépare pas des autres simplement en raison de sa nature psychologique - même si la plupart des autres films ici ne peuvent pas se vanter de telles qualités - mais plutôt pour l'ambiguïté morale de son protagoniste. Compte tenu de certains des autres détectives inclus ici, le détective Will Dormer (Al Pacino) n'est pas un saint, même si son personnage trouve la rédemption dans les actes finaux. Même encore, nous souhaitons désespérément qu'il retrouve son chemin du bon côté de la loi grâce à une solide performance de Robin Williams dans le rôle de Walter Finch, l'antagoniste en chef.
16 Qui a encadré Roger Rabbit (1988)
Roger Rabbit est potentiellement l'un des derniers mammifères fictifs parlants à qui tout le monde s'attendrait à commettre un crime, et pourtant il s'est retrouvé au centre d'une histoire de «cupidité, sexe et meurtre», comme le dit Eddie Valiant (Bob Hoskins). Avec Who Framed Roger Rabbit, le réalisateur Robert Zemekis et la société ont créé une fusion innovante d'action en direct et d'animation qui a donné aux téléspectateurs un monde tangible pour leurs personnages préférés, dont Mickey Mouse et Bugs Bunny. Pour être juste, cependant, le film est beaucoup plus intelligent qu'un film sur un personnage animé pour meurtre a le droit d'être.
Plus important que n'importe quel détour est l'arc de personnage impliquant Valiant. Hoskins donne une performance de jeu admirable, étant donné que la plupart de ses dialogues sont parlés à quelque chose qui n'est pas là, et en conséquence, le sous-complot de vengeance du meurtre de son frère aux mains d'un toon sadique est d'autant plus touchant. Cela dit, ce qui est tout aussi louable, c'est l'engagement du film dans des moments sombres, voire dérangeants, pour exprimer sa maturité, étant donné son intention de film familial.
15 Kiss Kiss Bang Bang (2005)
Plus récemment, Shane Black a utilisé l'histoire particulière d'Hollywood dans les années soixante-dix dans le cadre du récit des Nice Guys, mais avec Kiss Kiss Bang Bang, il a complètement mis en scène le cinéma conventionnel et la culture de l'industrie cinématographique - tout en offrant un mystère décent en cours de route. Une grande partie de l'accent est mis ici sur la comédie, alors que Harry (Robert Downey, Jr.) et Perry (Val Kilmer) se jouent l'un de l'autre avec une folie loufoque qui fait d'eux un charmant couple étrange.
Alors que certaines esthétiques et certains sujets ne peuvent pas échapper à la plume satirique de Black, sa lettre d'amour sur le film noir apparaît comme du pastiche plutôt que de la parodie, et son affection rayonne d'un véritable panache. Les visuels parfois froids et bleu acier sont une interprétation intéressante et accrocheuse de ce que l'on pourrait interpréter comme une atmosphère cynique dans le film noir, de cette façon, les conventions sont modernisées. Dans l'ensemble, si vous avez apprécié The Nice Guys, Kiss Kiss Bang Bang vaudra bien votre temps.
14 Zodiaque (2007)
L'identité du tueur du zodiaque est l'un des plus grands mystères les plus obsédants d'Amérique, tout comme l'identité de Jack l'Éventreur pour l'Angleterre. Bien que ressemblant beaucoup au film From Hell de ce dernier, Zodiac de David Fincher semble avoir ses propres idées sur qui était le coupable, même si l'affaire n'est jamais complètement résolue. Mis à part les spéculations, Fincher peut aider à filer un bon fil, et grâce au scénario de James Vanderbilt basé sur le livre du même nom de Robert Graysmith, Zodiac est encore un autre de ses films sur cette liste.
La tension dans le film est souvent sous-estimée, surtout lorsque le tueur de Zodiac n'essaie pas de faire connaître sa présence. Mais quand le sien est vu et entendu à l'écran, le suspense monte en flèche à un degré insupportable. Comme si vous ne pouviez pas être plus immergé dans ce tourbillon, la conception de la production est stellaire et les visuels contiennent une qualité légèrement désaturée qui améliore la sensation du temps.
13 Brique (2005)
La starlette indépendante de Rian Johnson, Brick, fait partie de ces films qui ressemblent à un rêve. Ce n'est pas un rêve au sens visuel, mais plutôt à travers le dialogue, la caractérisation et les événements qui ont lieu. Pour ceux qui s'imaginent comme un détective de type Humphrey Bogart, c'est ainsi que Brendan Frye (Joseph Gordon-Levitt) se comporte dans ce qui ne peut être décrit que la vision du monde fantastique de Johnson dans les limites de la convention néo-noire. C'est une lettre d'amour qui a la moindre volatilité de l'un des classiques.
Mais surtout, c'est grâce au calme et à la performance assurée de Gordon-Levitt en tant que héros improbable. Ce qu'il manque de contrôle sur les choses, il le compense avec confiance et persévérance. Lors de scènes telles que sa première interaction avec Dode (Noah Segan) ou même des réunions avec le vice-principal adjoint Trueman (Richard Roundtree), il attire immédiatement votre attention avec une conviction mesurée. Ensuite, il y a des moments tels que l'exécution de Dode et la réaction écoeurante de Brendan, et bien qu'il semble que la réalité soit entrée dans le giron, il sort toujours de l'autre côté du même fantasme.
12 LA Confidential (1997)
Le film noir n'a pas besoin de l'atmosphère fumée et faiblement éclairée évoquée par des détectives plus anciens ou calmement cool qui se retrouvent dans le ventre miteux de la société. Comme nous l'a rappelé LA Confidential il y a près de deux décennies, la brutalité peut être maîtrisée et la violence peut avoir un punch exubérant. De plus, avec un genre qui nous a donné des yeux privés durs comme Jack Nicholson dans Chinatown ou l'un des personnages similaires de Humphrey Bogart dans les années 40, il est rafraîchissant de voir une équipe de tag convaincante sous la forme de Guy Pearce et Russell Crowe, tous deux dont étaient relativement inconnus au moment de la libération.
Comme beaucoup de grandes histoires policières, l'intrigue est complexe et pleine de récits secondaires et de personnages colorés, et bien que le matériel de LA Confidential soit assez maniable, il reste hypnotique dans sa représentation de la corruption policière. De nos jours, le public pourrait même trouver que ses représentations du racisme systémique et des préjugés généraux dans le système judiciaire reflètent fidèlement les problèmes actuels.
11 Le troisième homme (1949)
Un grand éloge que beaucoup ont donné au troisième homme de Carol Reed est sa cinématographie atmosphérique, et comment pourrait-il ne pas être dans le contexte glorieux de Vienne? La Vienne d'après-guerre semble un cadre opportun pour la mentalité de verre à moitié vide qui remplit tout le film noir. La portée est ambitieuse et aussi grandiose que le lieu, mais le film de Reed n'est pas toujours atmosphérique au sens traditionnel du film noir. Le directeur de la photographie Robert Krasker utilise fréquemment des angles dramatiques et inclinés pour fournir un sentiment de malaise semblable à quelque chose de plus standard du genre.
En plus de quelques performances remarquables d'une majorité de la distribution primaire, y compris Joseph Cotton, Orson Welles et Alida Valli, la partition d'Anton Karas est certainement quelque chose de particulier. À première écoute, sa guitare acoustique grondante semble ne pas correspondre aux moments de tension que cela signifie accentuer, mais elle aide efficacement le ton écrasant du film en soulevant ces questions chez le spectateur.
10 Quartier chinois (1974)
Il semble que les interprétations plus modernes du film noir - dans ce cas, quoi que ce soit de l'ère du New Hollywood à nos jours - sont devenues plus désagréables avec le temps et les limites de ce qui pouvait et ne pouvait pas être montré sur le film s'est allégé. Chinatown n'est peut-être pas aussi brutalement violent que ceux qui suivraient, mais ce n'était pas nécessaire. Presque tout sur le film crie le désagrément, ce qui est certainement loin d'être juste cynique.
Une bonne partie de celui-ci provient de la représentation de Jack Nicholson du détective privé Jake Gittes, qui apparaît comme présentant le calcul froid d'Ed Exley de Guy Pearce dans LA Confidential et une version rappelée de la séquence moyenne de Russell Crowe de son Bud White dans le même film. Mais la plupart des méchancetés sont attribuées au sujet de l'inceste, quelque chose que l'ère Hays Code d'Hollywood aurait eu un peu de difficulté à discuter - la plupart n'auraient pas osé toucher le réalisateur final, Roman Polanski, a pu accomplir ici.
9 Dans la chaleur de la nuit (1967)
Peu de films, ou les gens derrière eux, auraient pu être aussi courageux que Dans la chaleur de la nuit. Le roman du même nom de John Ball était déjà incroyablement opportun, publié dans le vif du mouvement des droits civiques, et sorti seulement deux ans après, la version cinématographique l'était également. En conséquence, le film est l'un des plus importants à sortir des années 60, une époque où Hollywood effaçait sa structure morale archaïque.
Que ce soit dans le feu de la nuit ou devinez qui vient dîner, Sidney Poitier s'est toujours retrouvé au centre de ces discussions, et pour cause. Son pouvoir et son charisme en tant que détective de police Virgil Tibbs sont passionnants, en particulier lorsqu'ils confrontent, verbalement et physiquement, à la surprise de beaucoup, le racisme de l'Amérique blanche - qui, pour être juste, constitue une majorité décente de cette image.
8 Blade Runner (1982)
Blade Runner de Ridley Scott a simultanément désorienté et fasciné les téléspectateurs depuis quelques décennies maintenant, et il est légèrement compréhensible que la réaction initiale à ce sujet n'ait pas été aussi positive qu'aujourd'hui. Le passage du temps amène de nouvelles perspectives, et en conséquence, de nouvelles lumières ont brillé sur les thèmes existentiels et philosophiques du film et sa saveur distinctive du néo-noir.
Comme beaucoup de films vus ici ou ailleurs dans le genre, Blade Runner porte son cynisme sur sa manche, et son éclairage discret accentue ce ton. L'éclairage ici est curieux, car il sert à plus d'un but. La vision de Ridley de l'avenir cadre parfaitement avec le projet de loi de science-fiction post-apocalyptique, et l'utilisation intensive du clair-obscur rend la portée et l'échelle épiques du film plus monolithiques et, par conséquent, plus intimidantes, complétant l'apparence difficile à manier du film en ce qui concerne le le matériel est concerné. L'ambiguïté de sa fin contient sa propre lourdeur, philosophiquement parlant, et ressent également une résolution plus appropriée pour le film noir.
7 Laura (1944)
On en a souvent parlé, mais une vision cynique est une exigence pour le film noir, bien que ce ne soit pas le seul, bien sûr. Pour Laura d'Otto Preminger, cependant, ce n'est pas explicitement le cas - du moins pas autant que certains de ses contemporains. Le pessimisme se développe certainement au fur et à mesure que l'intrigue progresse, se terminant par une fin sombre, comme beaucoup de son genre. Son premier acte est curieux, car les personnages sont plongés au milieu de l'enquête sans que le public ait la moindre connaissance du crime commis.
De plus, le ton ressemble à celui d'un éloge funèbre, ce qui est plausible étant donné qu'une grande partie du récit de cette partie est racontée à travers des flashbacks. Cette sorte d'atmosphère semble quelque peu antithétique aux conventions du genre, mais selon la conclusion de Laura, elle se transforme en quelque chose de plus approprié. Complétée par de fortes performances de sa distribution, Laura se démarque comme l'un des grands classiques du genre.
6 Memento (2000)
Dans Memento de Christopher Nolan, l'ambiguïté morale précédemment discutée avec Insomnia s'épanouit à la pelle, et c'est ce qui a d'abord mis le réalisateur sous les projecteurs. De plus, l'amnésie antérograde de notre protagoniste (Leonard Pearby de Guy Pearce) rend ce thème d'autant plus troublant. Mais aussi inquiétant que soit son état, le fait qu'il soit un protagoniste et un narrateur peu fiable rend le voyage d'autant plus captivant.
De plus, aidé par la structure narrative unique de Nolan consistant à inverser le présent et à jouer le passé de manière chronologique, le public reçoit une vue distinctive de la condition psychologique d'un homme. Et bien que l'ouverture émotionnellement chargée du film puisse l'exonérer de toute innocence, nous restons accrochés parce que nous réalisons que le vrai mystère n'est pas qui a violé et assassiné sa femme, mais plutôt comment il est arrivé à la «finale» du film. C'est un néo-noir particulier qui dévoile soigneusement son cynisme profond au cours d'un récit changeant plutôt que de le montrer explicitement à travers des visuels et / ou une caractérisation.
Pour les esprits curieux, l'édition Collector à 2 disques pour Memento propose une option permettant au spectateur de regarder le film à l'envers.
5 Le Big Lebowski (1998)
C'est une histoire de détective de comédie noire post-western néo-noir, et c'est complètement mental - ou du moins les frères Coen l'étaient. Depuis sa sortie en 1998, The Big Lebowski a diverti les étudiants et les toxicomanes, tuant souvent ces deux oiseaux avec une pierre. Ces spécificités de genre mentionnées précédemment sont généralement ignorées lors de la rencontre avec la fonctionnalité, mais compte tenu de la façon dont les joueurs interagissent avec le matériel des frères Coen, on peut être pardonné de ne regarder que pour une poignée de moments.
Beaucoup de personnalités associées aux films de cette liste sont affables à travers leurs diverses formes de fraîcheur, les sortes de cool qui correspondent aux représentations traditionnelles de la masculinité. C'est peut-être juste une intuition, mais le Mec (Jeff Bridges) n'est pas du genre à être très préoccupé par la façon dont il se présente. Il est juste le Mec, et c'est à peu près aussi compliqué qu'il doit l'être. Cependant, les Coens obligent agréablement à le jeter au milieu d'un conte joyeusement déroutant de fiction absurde.
4 Vertige (1958)
Alfred Hitchcock a une multitude de films célèbres attachés à son nom, mais Vertigo est sans doute l'un de ses plus grands. Le film commence avec un impact percutant alors que Scottie Ferguson (James Stewart) regarde un autre officier de police tomber à la mort en essayant de le sauver de s'accrocher à un rebord, et bien que le film devienne plus psychologique à partir de ce moment, il n'a jamais perd son punch. Avec le penchant de Hitchcock pour les rebondissements inattendus et les personnages trompeurs, le récit reste aussi serré que n'importe laquelle de ses compositions de tournage.
Le film de Hitchcock est un exemple du mystère ou de l'investigation jouant un rôle secondaire par rapport aux relations établies entre deux personnages, et ce qui est tout aussi fascinant que le récit qu'Hitchcock tourne sont les théories concernant ses thèmes. Beaucoup ont postulé que, implicitement ou peut-être explicitement, Vertigo parle du contrôle masculin des visuels en ce qui concerne la féminité et la masculinité, et remet ainsi en question les perceptions masculines dominantes des deux. Dans ce cas, Vertigo est un film progressif pour l'époque.
3 Sept (1995)
David Fincher est l'un de ces réalisateurs dont le travail est anxieusement anticipé et sans cesse médité, et après l'infâme Alien 3, il a vraiment annoncé sa présence dans l'industrie avec Seven, un mystère de meurtre notoire sur les victimes tuées basé sur les Sept péchés capitaux. Il y a beaucoup de choses à célébrer sur le film de Fincher; par exemple, sa vision granuleuse et intransigeante des crimes et une utilisation brillamment dérangeante de l'idée que ce qui est le plus effrayant n'est pas ce que vous voyez, mais ce que vous imaginez. Sans parler d'une fin percutante vidé de toute once d'espoir.
Les éloges sont souvent envoyés en direction de ses deux leads, Morgan Freeman et Brad Pitt, sur une base individuelle, mais peut-être pas autant de propos sur leur partenariat à l'écran. Grâce à un manque de chimie convaincant et déterminé entre les deux en tant que personnages, on peut facilement identifier la chimie entre les deux en tant qu'acteurs. Bien que nous suivions et nous accrochions au détective Somerset (Freeman) pour ses manières studieuses et discrètement autoritaires, l'exploration quelque peu psychologique de Mills (Pitt) devient son propre récit, fournissant une grande partie de l'impact de la fin.
2 Le silence des agneaux (1991)
Le Silence des agneaux de Jonathan Demme est un cas assez unique ici. D'une part, c'est une véritable histoire de détective alors que la stagiaire du FBI Clarice Starling (Jodie Foster) traque un tueur en série dérangé connu sous le nom de Buffalo Bill (Ted Levine). De l'autre, ce film parle également de la relation de Starling avec le Dr Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) et des nombreux jeux psychologiques de domination qu'il joue avec elle alors qu'il coopère avec son cas. À bien des égards, la poursuite de Starling de Buffalo Bill semble secondaire, tout comme le mystère de James Stewart dans Vertigo.
Et pourtant, le scénario reste absolument concentré, même si beaucoup de temps est accordé à la sortie d'Hannibal de l'enfermement. L'enquête elle-même peut sembler secondaire à tout le reste, mais nous sommes toujours traités avec Bill et toute sa folie dérangeante, y compris certaines lignes étrangement citables (ne vous inquiétez pas, Lecter a aussi sa juste part). De plus, nous sommes également pris dans la poursuite en raison de ses deux personnalités conflictuelles; par rapport au canon lâche de Levine, Buffalo Bill, Hopkins's Lecter est plus raffiné, même s'il est parfois improvisé.
