Essayer d'effrayer les cinéphiles est une tâche assez ingrate de nos jours. Le genre d'horreur doit travailler plus dur que jamais pour produire toute sorte de réaction d'un public qui a déjà tout vu. Fait correctement, un réalisateur qualifié peut toujours nous laisser des cicatrices à vie avec un choc bien délivré. Lorsqu'ils sont mal faits, ils sont plus susceptibles de provoquer un roulement des yeux exaspéré ou, pire, un rire.
Mais les scènes effrayantes des films non-horreurs sont parfois les plus terrifiantes, précisément parce qu'elles n'ont rien à faire là-bas et sont complètement inattendues. Une minute, vous pourriez regarder une joyeuse fête animée sur les jouets d'enfance qui prennent vie et la suivante, vous consultez eBay pour voir combien vous pouvez vendre vos jouets d'enfance … juste au cas où ils prendraient vie.
Alors, voici notre top 15 des scènes les plus effrayantes des films non-horreurs, basé sur les moments qui ont le plus effrayé le bejesus des téléspectateurs pauvres et involontaires.
15 L'Empire contre-attaque (1980)
L'Empire Strikes Back a enseigné aux jeunes fans de Star Wars que, avec suffisamment de sens, même les petites marionnettes vertes peuvent être terriblement terrifiantes.
Après l'évasion dramatique de Hoth, Luke se rend dans la patrie marécageuse du maître Jedi, désespéré d'apprendre les voies de la Force. Au lieu du "grand guerrier" qu'il attend, il trouve plutôt un petit troll aux oreilles pointues qui passe longtemps à être intentionnellement ennuyeux. En se révélant finalement comme Yoda (pas la plus grande surprise à l'horizon de Luke, pour être honnête), il refuse de lui enseigner, le critiquant pour son imprudence et son manque de patience. Alors Luke fait ce que Luke fait le mieux - pleurnicher: "Je ne te décevrai pas! Je n'ai pas peur"
Comment tirent-ils autant d'expression et d'émotion d'une marionnette? Une légère augmentation des sourcils et un léger soulèvement des oreilles ont suffi pour donner un avertissement tacite des horreurs qui attendaient notre héros non préparé. Se penchant, la voix de Yoda retentit en un grognement menaçant. "Vous le serez! Vous … le serez …!" L'expression horrifiée sur le visage de Luke résumait à peu près nos sentiments assis au cinéma, et aucun de nous ne regarda à nouveau Yoda de la même manière.
14 lunette arrière (1954)
L'un des meilleurs parmi les meilleurs, la lunette arrière augmente la tension à un degré insupportable, puis délivre une série de crises d'arrêt cardiaque.
James Stewart joue LB "Jeff" Jeffries, un photographe enfermé dans son appartement avec une jambe cassée, espionnant la vie de ses voisins à travers la cour depuis l'inconfort de son fauteuil roulant. Il se convainc que l'un, le vendeur Lars Thorwald (Raymond Massey), a assassiné sa femme et jeté son corps. Il recrute sa petite amie adoratrice Lisa (Grace Kelly) pour s'introduire par effraction dans l'appartement pour chercher des indices, où Thorwald l'attrape dans l'acte. Bien que la police arrive avant que tout mal ne lui arrive, le secret de Jeffries est en place.
Le moment où Thorwald le regarde à travers l'objectif pointé sur lui depuis l'appartement de Jeffries est un compte-gouttes. Nous savons que Jeffries est aussi bon que sans défense; seul et immobilisé.
Lisa étant emmenée par la police, l'appartement de Thorwald est laissé dans l'obscurité totale. Et le téléphone de Jeffries sonne.
Voici Hitchcock à son apogée. Il savait que ce sont toujours les choses que nous ne pouvons pas voir qui nous terrifient le plus, et ici, nous ne pouvons que faire l'expérience de ce que Jeffries fait. Le silence à l'autre bout du téléphone et le léger clic pendant que le meurtrier raccroche; le bruit de l'ascenseur commençant bien en dessous; les pas devant l'appartement de Jeffries, et la lumière sous la porte qui sort.
La lunette arrière reste l'un des plus grands thrillers d'Hitchcock; intrigant, macabre et brillamment exécuté.
13 Raiders of the Lost Ark (1981)
Cela n'allait jamais bien se terminer pour les nazis une fois qu'ils avaient joué avec Indiana Jones et Dieu. Certes, ils donnent une course à Indy pour son argent - avant que le Tout-Puissant ne s'implique et rend tous ses efforts à peu près superflus. (Oui, merci de l'avoir ruiné, The Big Bang Theory.) Néanmoins, Raiders of the Lost Ark est probablement la sortie la plus durable de Spielberg.
Indiana Jones (Harrison Ford) fait la course contre les forces du mal pour retrouver l'Arche perdue de l'Alliance, un artefact d'une puissance indicible qui détiendrait les dix commandements. Dans le processus, il est pourchassé par d'énormes rochers, enterré jusqu'à son fouet dans des serpents, manque de peu d'être coupé par un propulseur et fait du stop à l'extérieur d'un sous-marin. Tout en un jour de travail.
En fin de compte, Indy se retrouve lié à un poste avec son ex-petite amie alors que les nazis en chef et les mauvais œufs tout autour décident de jeter un œil à l'intérieur de l'Arche avant de le remettre à Hitler. Ne trouvant que du sable, il semble qu'ils se soient vus jusqu'à ce que des esprits furieux émergent pour zapper les méchants les plus chanceux avec un éclair sacré. Nos trois hérétiques principaux ne se relâchent pas si facilement. Au milieu de cris agonisants, il y a de nombreux visages fondants et explosifs de têtes divines alors que la colère de Dieu est portée aux morts.
Spielberg n'a jamais hésité à gérer les chocs, même lorsqu'il s'adresse à un public plus jeune et, tout comme Jaws nous a empêchés de vouloir nager, c'est cette scène qui a dissuadé une génération d'enfants de vouloir ouvrir des objets anciens.
12 Marathon Man (1976)
Faisant pour la profession dentaire ce que The Shining a fait pour l'industrie hôtelière, Marathon Man est un autre exemple du pouvoir de l'horreur suggérée.
Souvenue principalement pour une scène terrifiante, l'histoire suit Babe Levy (Dustin Hoffman), qui tombe entre les mains du criminel de guerre nazi fugitif, le Dr Christian Szell. Connu dans les camps de la mort sous le nom de The White Angel, Szell est fortement basé sur le célèbre docteur Josef Mengele et joué avec un effet effrayant par Laurence Olivier.
Impliqué dans une opération de contrebande de diamants, Szell est forcé de se cacher et se rend à New York, où il a kidnappé Babe et le torture pour information. Jouant sur la peur primaire et totalement justifiée de tout le monde à l'égard des dentistes, nous trouvons Babe attachée à une chaise tandis que Szell, impeccablement soigné et étrangement calme, demande à plusieurs reprises: "Est-ce sûr?" Alors que Babe babille son ignorance, le médecin déroule soigneusement ses instruments dentaires.
La version originale de ce qui suit a fait tellement de mal au public test qu'il a dû être raccourci de huit minutes, mais la scène est probablement la plus forte pour elle. Nous savons ce qui se passe dans la bouche du pauvre; nous n'avons pas besoin d'être montrés - ses cris suffisent. L'impuissance de la situation de Babe, à la fois physiquement et psychologiquement, la rend d'autant plus terrifiante. Il ne sait pas plus que nous ce que recherche Szell. Il devient alors extrêmement facile de s'imaginer à sa place, et il n'y a rien de plus terrifiant de façon convaincante que notre propre imagination.
11 Une horloge orange (1971)
Comme le roman sur lequel il est basé, l'adaptation de Stanley Kubrick de A Clockwork Orange a été extrêmement controversée lors de sa sortie. En fait, il a lui-même retiré le film de la circulation après que lui et sa famille aient reçu des menaces de mort à ce sujet.
Situé dans une future Grande-Bretagne, c'est l'histoire d'un jeune voyou sociopathe appelé Alex et la vague de crime horrible qu'il entreprend avec son gang, connu sous le nom de droogs - du mot russe pour «ami».
La nuit où nous les rejoignons, le gang s'introduit dans la maison isolée d'un écrivain, où ils l'ont battu au point de paralysie et violé sa femme. Ce qui rend la scène encore plus horrible, c'est qu'Alex effectue une interprétation a cappella de "Singin 'in the Rain" tout au long de l'attaque.
Tiré du film éponyme de 1952, "Singin 'in the Rain" est l'une des chansons les plus joyeuses sans vergogne jamais sorties - ancrée dans notre conscience alors que nous regardons un Gene Kelly adoré danser dans une rue de New York sous une averse. Approprié par Kubrick, il est transformé en quelque chose de choquant et d'horrible, et notre familiarité avec la version originale la rend encore plus pénible. Couplée à un travail de caméra troublant - des plans de poche déformés des intrus masqués en gros plan - la scène laisse une impression déchirante qui persiste longtemps dans la mémoire.
Alors que A Clockwork Orange est certainement l'un des meilleurs de Kubrick, ce n'est certainement pas pour les timides.
10, chemin Arlington (1999)
Les alertes aux sauts sont parfois considérées comme un moyen paresseux d'effrayer le public. Quand ils sont bien faits, cependant, ils ont toujours le pouvoir de nous saisir et de produire des moments à couper le souffle. Hitchcock l'a fait correctement dans Psycho, et David Fincher l'a cloué dans Se7en. Mais ce sont des films d'horreur et des scénarios de films d'horreur. Vous attendez presque d'avoir peur.
À Arlington Road, la peur du saut est brillamment efficace parce que la situation est tellement suburbaine et familière.
Michael Faraday (Jeff Bridges) est professeur d'université et enseigne un cours sur l'histoire du terrorisme. Lorsque de nouveaux voisins Oliver et Cheryl Lang (Tim Robbins et Joan Cusack) commencent à éveiller ses soupçons, il se lance dans une poursuite obsessionnelle qui le met initialement en désaccord avec sa petite amie Brooke (Hope Davis). Mais quand elle remarque plus tard un comportement étrange des deux, elle s'arrête à un téléphone public pour contacter Michael, convaincue qu'il a raison. Alors qu'elle raccroche et se retourne, nous voyons Cheryl Lang se tenir juste derrière elle.
La peur du saut est gérée de manière experte et suffit à vous faire quitter votre siège. Mais le vrai frisson regarde le changement dans le visage de Cusack. Son sourire rayonnant et voisin s'estompe lentement et son visage se durcit en une expression «Je sais que tu sais» qui nous dit que nous ne verrons pas beaucoup plus de Brooke.
Il a été suggéré qu'Arlington Road était en avance sur son temps, et c'est certainement un film sous-estimé avec l'une des terminaisons les plus non hollywoodiennes de ces dernières années.
9 2001: Une odyssée de l'espace (1968)
Selon votre point de vue, 2001: A Space Odyssey est soit le film le plus important et le plus influent jamais réalisé, soit une pile de perplexité lente, ennuyeuse et incompréhensible.
Mais même les critiques les plus durs peuvent généralement s'accorder sur deux choses: premièrement, les effets spéciaux du film étaient des années-lumière en avance sur leur temps (rappelez-vous que cela a été fait en 1968, un an avant que la NASA ait simulé l'atterrissage sur la lune!) Et deuxièmement, l'éclat de Kubrick s'est en quelque sorte transformé un point rouge brillant dans l'un des méchants les plus sinistres de l'histoire du cinéma.
Le HAL 9000 (exprimé par Douglas Rain) est l'ordinateur sensible à bord du Discovery One, un vaisseau spatial d'enquête envoyé à Jupiter. Au plus profond de la mission, il devient clair que les circuits de HAL ne fonctionnent pas correctement et il tue tous les membres de l'équipage sauf un. L'astronaute restant, Dave (Keir Dullea), se met à désactiver l'ordinateur défectueux.
Tout sur la scène prend un temps terriblement long; de Dave se déplaçant maladroitement entre les différentes sections du navire pour dévisser les divers panneaux de commande. Pendant tout ce temps, HAL plaide pour sa vie de sa voix calme et sans expression. Il implore Dave de réfléchir à ce qu'il fait et de "prendre une pilule anti-stress". Les seuls sons que nous entendons sont la voix de HAL et la respiration fiévreuse de l'astronaute.
Alors que Dave commence à supprimer les circuits cognitifs de HAL, la voix ralentit et devient plus profonde. Avec son esprit glissant, HAL revient à ses premiers souvenirs programmés, finissant par bourdonner "Daisy Bell", la première chanson jamais chantée par un ordinateur.
8 Toy Story (1995)
Toy Story est la preuve cinématographique, si elle était nécessaire, que certains enfants sont révoltants et méritent d'être traumatisés. Cela a également confirmé ce que nous savions tous en secret; nos jouets d'enfance ont pris vie lorsque nous ne regardions pas.
Le premier long métrage de Pixar, Toy Story suit deux jouets rivaux; Cowboy Woody, compagnon de jeu préféré de longue date du jeune Andy, et un intrus récemment arrivé, Space Ranger Buzz Lightyear. Crié de jalousie à propos de ce nouveau rival pour l'affection d'Andy, Woody organise la chute de Buzz, pour être chassé lui-même par les autres jouets.
Finalement, le couple se retrouve capturé par le voisin diabolique Sid, où ils rencontrent ses expériences monstrueuses - des jouets mutilés avec des têtes et des membres transplantés, ainsi que d'autres panneaux indiquant le futur MO d'un tueur en série.
Déterminés à aider, Woody et Buzz élaborent un plan pour libérer les jouets de leur existence infernale.
La scène où les créations mutantes de Sid prennent vie pour terrifier le garçon à changer ses habitudes est brillamment mise en scène et véritablement effrayante. Les monstres grotesques émergent des piscines boueuses et des fosses de sable et avancent lentement sur le malheureux intimidateur, l'envoyant dans des paroxysmes de terreur. Finalement, la tête de Woody tourne autour du style Exorciste et il suggère à Sid d'apprendre à "jouer gentiment !"
Toy Story a montré que les films pour enfants pouvaient encore être énervés et a été élu l'un des meilleurs films d'animation jamais réalisés.
7 Le magicien d'Oz (1939)
Les singes font peur. Période. Donc, logiquement, les singes volants à face bleue malveillants dans des uniformes de groom étranges et de petits chapeaux devraient être terrifiants. Le magicien d'Oz en est la preuve.
Dans l'un des classiques de tous les temps, Dorothy Gale (gedditt?!) Est emportée par une tornade au pays magique d'Oz où elle doit se lancer dans un voyage pour trouver le sorcier qui peut la renvoyer chez elle. Elle fait équipe avec un épouvantail, un homme en fer blanc et un lion - tous dépourvus de divers attributs et organes vitaux - et ils parviennent en quelque sorte à se perdre dans un endroit avec une seule route. S'enroulant dans une forêt hantée, ils sont regardés à travers une boule de cristal par la méchante sorcière de l'Ouest, qui a juré de se venger de Dorothy pour avoir volé les chaussures qu'elle voulait vraiment. Oh, et pour avoir fait atterrir une maison sur sa sœur.
La sorcière appelle ses légions de primates ailés et les envoie pour récupérer la fille et ses amis.
Le magicien d'Oz ne manque pas de personnages effrayants, mais les singes volants sont ceux qui ont eu l'effet le plus durable sur le psychisme des cinéphiles. Le ciel glorieux de Technicolor en est rempli alors qu'ils descendent sur notre courageux groupe, arrachant l'étoffe de l'épouvantail avant de l'arracher, avec Dorothy et ses copains. Et son petit chien aussi!
Le Magicien d'Oz est le film le plus regardé à la télévision et ravit et marque des générations d'enfants depuis près de 80 ans.
6 Sauver le soldat Ryan (1998)
Décrite par les historiens et, plus important encore, par les vétérans qui y ont survécu comme la représentation la plus précise de la guerre jamais réalisée, les 22 premières minutes de Saving Private Ryan documentent les horreurs du débarquement en Normandie en Normandie.
Le capitaine Miller (Tom Hanks) dirige son entreprise dans la première vague de l'attaque, réussissant de justesse à travers l'assaut des positions allemandes retranchées.
Tourné par le directeur de la photographie de longue date de Spielberg, Janusz Kaminski, les scènes de bataille étaient si réalistes qu'une ligne d'assistance téléphonique gratuite a été établie pour que les vétérans de la guerre puissent appeler s'ils étaient affectés par le film.
Rien que pour Spielberg, aucune scène n'a été scénarisée, ce qui montre la brutalité implacable avec un réalisme portable similaire à la séquence originale de la caméra d'actualités. Vous vous sentez aussi près d'être là que possible physiquement, mais ce qui rend la scène si pénible, c'est de savoir que la réalité était infiniment pire.
C'est un assaut complet sur les sens et laisse le spectateur à bout de souffle.
5 Star Trek II: La colère de Khan (1982)
Considéré par beaucoup comme le meilleur des films de Star Trek, et certainement celui qui a sauvé la franchise après les coups de fouet critiques subis par leur première sortie sur grand écran, Star Trek II: The Wrath of Khan présente l'amiral Kirk devant un défi de suractivation par le vieil adversaire Khan Noonien Singh.
En cherchant une planète appropriée sur laquelle tester un nouveau dispositif de terraformation connu sous le nom de Genesis, le commandant Chekov et le capitaine Terrell de l'USS Reliant se tournent vers ce qu'ils croient être le Ceti Alpha VI sans vie. À leur insu, Ceti Alpha VI a explosé quelques années auparavant, et ils se tiennent plutôt sur Ceti Alpha V.L'explosion de sa planète sœur l'a arrachée à son orbite et détruit son écosystème. Malheureusement, Ceti Alpha V est également la planète sur laquelle Khan a été exilé par Kirk pour avoir tenté de reprendre l'Enterprise dans la série originale.
Génétiquement modifié et furieux, Khan capture les deux et commence à en extraire des informations dans un style qui lui est propre, en utilisant la seule forme de vie indigène restante de la planète, l'anguille Ceti. Une répugnante créature ressemblant à une limace écailleuse, ses larves pénètrent par les oreilles et se fixent au tronc cérébral, ce qui rend ses victimes extrêmement susceptibles d'être suggérées.
Regarder Khan extraire les jeunes entre les écailles de l'anguille adulte est un spectacle grotesque, et les insectes rampant dans les oreilles occupent une place de choix dans la plupart des scénarios de cauchemar des gens, faisant de cette scène l'une des plus effrayantes de la science-fiction.
4 Watership Down (1978)
Combien de parents sans méfiance ont emmené leurs jeunes enfants voir le joli film de lapins de bande dessinée, pour se voir présenter un tas de cadavres de lapins mutilés et laisser faire face à des cauchemars hurlants et à l'énurésie mortifiée?
Le film de lapin le moins adapté aux enfants en plus de Donnie Darko, Watership Down est l'histoire du jeune lapin Fiver qui essaie de trouver un sanctuaire pour lui-même et sa garenne. En chemin, il fait gazer sa maison, voit ses amis déchirés par des chiens, des collets et d'autres lapins démoniaques; et a des visions apocalyptiques de champs trempés de sang. Oh oui, nous avons oublié de mentionner: c'est un lapin psychique.
Il est difficile de distinguer une seule scène traumatisante dans le film, mais la bataille finale entre Bigwig et le maléfique général Woundwort défiguré dans les terriers est particulièrement choquante. Les dents de Woundwort sont comme des crocs, dégoulinant de sang et de salive tandis que ses griffes déchirent la chair de Bigwig. Nous pensions que c'était censé être un film pour enfants, vous les monstres!
Même 40 ans plus tard, Watership Down suscite toujours la controverse; plus récemment, quand quelqu'un à la BBC a pensé que ce serait une bonne idée de le diffuser le dimanche après-midi de Pâques.
3 Kill Bill: Vol. 2 (2004)
Cela doit être dans les trois pires craintes de chacun. La simple pensée d'être enterré vivant suffit à provoquer l'hyperventilation de certaines personnes, et lorsque vous mettez cette idée entre les mains de Tarantino, cela devient encore plus cauchemardesque.
Dans Kill Bill: Vol. 2, nous rejoignons The Bride alors qu'elle poursuit son déchaînement meurtrier, reprenant là où elle s'était arrêtée dans le vol. 1 et traquer les tueurs qui l'ont laissée pour morte. Poursuivant l'assassin à plumes Budd jusqu'à sa maison de parc à roulottes, elle finit par prendre une carabine de sel gemme à la poitrine, être liée, scellée dans un cercueil et mise au sol.
Avec une grande partie de la scène dans l'obscurité totale, notre imagination peut faire le travail pour nous. Nous entendons le désespoir gémissant de la mariée alors que les clous sont enfoncés et que le cercueil est traîné dans le trou. Nous entendons son bruit s'abaisser, puis la longue pause avant que la première saleté ne s'écrase.
C'est une scène qui frappe à un niveau primordial, et écouter la panique de construction de la malheureuse victime alors que le bruit de la saleté s'estompe est suffisant pour vous laisser opter pour la crémation le moment venu, juste au cas où.
2 Casino (1995)
Dans Casino, nous apprenons une leçon précieuse sur l'irritation des patrons de la mafia. Ou du moins de ne pas les rencontrer au milieu d'un champ de maïs isolé.
Nicky, le policier de la foule déchaîné de Joe Pesci, a franchi la ligne trop souvent, il est donc convenu que sa course est courue. À l'époque, une balle à l'arrière de la tête aurait suffi, mais à cette occasion, il a été décidé qu'un message devait être envoyé.
Avec une subtilité scorsesienne typique, Nicky et son frère Dominick sont invités au milieu de nulle part pour un pow-wow. Dominick est ensuite attaqué par des hommes de main avec des battes de baseball en métal que Nicky est forcé de regarder. Jamais du genre à hésiter à montrer les délices d'une foule qui tue dans toute sa splendeur, Scorsese nous permet de ressentir chaque coup en battant le malheureux Dominick en une chair sanglante. Après avoir dépouillé son cadavre et l'avoir jeté dans une tombe peu profonde, ils s'en prennent à Nicky avec autant d'enthousiasme.
C'est la joie avec laquelle les gangsters accomplissent le travail qui rend cette scène si pénible. Ils semblent vraiment apprécier leur travail, surtout lorsqu'ils laissent à peine vivant Nicky alors qu'ils l'enterrent. Et bien que les visuels soient évidemment pénibles à regarder, ce sont en quelque sorte les sons qui laissent une impression plus durable. Les chauves-souris métalliques sur les crânes font un bruit difficile à oublier, tout comme les appels pathétiques de Nicky pour que les hommes tuent son frère rapidement et par miséricorde.
Sans compromis, complexe et brillamment dirigé, Casino est un Scorsese classique.
