La semaine dernière, la bande-annonce des Guardians s'est répandue sur Internet, faisant des fans de films de super-héros des bananes. Situé en URSS pendant la guerre froide, le film présente un groupe de super-héros bizarres, un gars qui manipule la terre, un spécialiste des arts martiaux, une femme qui marche sur l'eau et un ours-garou, appelés à défendre les intérêts soviétiques. Tout d'un coup, tout le monde veut voir un blockbuster russe sous-titré.
Ce n'est pas la première fois qu'un film comme celui-ci attire l'attention du public américain. Dans de nombreux cas, dans le passé, Hollywood était surpassé par l'originalité, l'audace et l'étrangeté pure et simple des blockbusters étrangers. Les studios américains sont toujours à la recherche d'idées créatives à l'étranger et refont de grands succès étrangers comme Let The Right One In et Seven Samurai. De plus, les chasseurs de talents gardent un œil sur les visionnaires étrangers pour affronter les films hollywoodiens.
Le cinéma international est en constante évolution et en constante évolution. Il est fortement influencé par le cinéma américain et influence constamment Hollywood, qui est parfois impressionné par ses réalisations.
Jetons un coup d'œil aux 15 superproductions étrangères qu'Hollywood a faites.
MONTRE DE 15 NUITS (RUSSIE)
Douze ans avant Guardians , un autre film russe était au centre de l'intérêt d'Hollywood. Le nouveau venu Timur Bekmambetov a eu l'idée ambitieuse d'une trilogie fantastique, où les forces du bien et du mal, de jour comme de nuit, étaient sur le point d'entrer en collision dans une bataille épique. La première partie, Night Watch , a marqué une énorme ouverture nationale, devenant la version russe la plus rentable. Fox Searchlight Pictures a rapidement acquis les droits et lui a donné une version mondiale.
Night Watch nous a présenté The Others, les créatures surnaturelles d'autrefois qui, après des siècles de conflit, ont connu une trêve à l'époque médiévale. À l'époque, le côté clair a créé la Veille de nuit, afin de contrôler les forces obscures la nuit et le côté obscur a créé la Veille de jour pour superviser les forces légères pendant la journée, jusqu'à ce que la trêve soit brisée dans Moscou moderne. Bekmambetov convoque une armée de vampires, de métamorphes et d'autres bizarreries anormales, créant une atmosphère sombre grâce à l'utilisation intelligente d'effets spéciaux, supervisée par pas moins de 16 studios VFX russes.
Night Watch était une version rafraîchissante du genre de vampire usé et du billet aller simple de Bekmambetov pour Hollywood.
14 ONG-BAK: LE GUERRIER THAI (THAÏLANDE)
Quand Ong Bak: The Thai Warrior est sorti dans le monde en 2004 et aux États-Unis en 2005, tout le monde parlait de la nouvelle superstar des arts martiaux Tony Jaa. Réalisant une performance physique exigeante en exécutant toutes ses cascades sans utiliser GCI ou des cordes, Jaa a été universellement salué comme un digne successeur de Bruce Lee, Jackie Chan et Jet Li. Il a également contribué à populariser le Muay Thai, un art martial fascinant et assez violent, qui rappelle le kickboxing occidental.
Dirigé par Prachya Pinkaew et chorégraphié par le mentor et vétéran du film d'action Jaa Panna Rittikrai, Ong Bak suit un orphelin paisible qui démarre une aventure à la recherche d'une tête de Bouddha qui a été retirée de la statue sacrée de son village. Le personnage de Jaa pénètre dans le monde souterrain de Bangkok afin de le récupérer et de le ramener à la maison. L'intrigue est simpliste et reproduit de nombreux clichés de genre, mais Ong Bak se classe parmi les meilleurs films d'arts martiaux de tous les temps, en raison de ses séquences d'action à couper le souffle et incroyablement inventives.
Le succès d’ Ong Bak a abouti à deux préquels et Jaa a trouvé sa voie à Hollywood.
13 FRATERNITÉ DU LOUP (FRANCE)
Connu pour l'adaptation atmosphérique du jeu vidéo de Silent Hill et le vibrant Beauty and the Beast de l' année dernière, Christophe Gans est sans aucun doute l'un des réalisateurs les plus visionnaires du genre horreur / fantastique. Ses fables imaginatives n'ont peut-être pas les récits les plus solides, mais elles sont une merveille à regarder.
Son film révolutionnaire, La Confrérie du Loup, a été inspiré par les événements de la vie réelle autour de la Bête du Gévaudan, qui a terrorisé la province française pendant les années de la Révolution. Lorsque le roi Louis XV envoie le chevalier et naturaliste Grégoire de Fronsac pour enquêter sur les massacres et les capturer, Fronsac et son compagnon amérindien Mani découvrent une conspiration étroitement liée à l'église catholique.
Bien que certaines de ses scènes d'action puissent sembler un peu ridicules et déplacées, sapant le résultat final (rappelez-vous, c'est deux ans après The Matrix , quand tout le monde essayait d'imiter ce style de combat au ralenti), Brotherhood of the Wolf est une aventure d'horreur intéressante et très divertissante. Gans offre une rotation intéressante sur une légende française bien connue, l'associant aux retombées de la superstition et à l'erreur de la religion organisée. Visuellement époustouflant et joliment interprété par une distribution internationale de stars, le film exhale une aura étrangement attrayante.
12 BAAHUBALI: LE DÉBUT (INDE)
Cette liste ne pouvait pas aller sans une entrée du plus grand rival d'Hollywood, Bollywood. L'une des industries cinématographiques nationales les plus investies et les plus productives au monde, avec plus de 1500 films chaque année, le cinéma indien est connu pour ses extravagances flamboyantes et follement imaginatives. L'épopée historique / fantastique du réalisateur sud-indien SS Rajamouli Baahubali: The Beginning est l'une de ses créations les plus magnifiques.
Avec une narration satisfaisante et des performances décentes par un casting incandescent, Baahubali est la fable d'un enfant banni qui, à l'âge adulte, découvre ses racines et entreprend un voyage pour accomplir son destin en affrontant un roi tyrannique. Certains téléspectateurs peuvent trouver le cinéma de Rajamouli un peu exagéré, mais sa vision grandiose ne ressemble à rien de ce que l'on voit dans le cinéma occidental. Avec des séquences de bataille immenses et des actes musicaux magnifiques, le film est si plein de plaisir que vous ne pourrez pas détourner le regard de l'écran du début à la fin.
Le film indien le plus rentable en Inde et le troisième dans le monde, il a été intelligemment commercialisé via des campagnes de médias sociaux, des applications pour smartphones, des événements de cosplay et l'établissement du record du monde Guinness pour la plus grande affiche du monde.
11 L'HÔTE (CORÉE DU SUD)
Au cours des deux dernières décennies, le cinéma sud-coréen est venu au premier plan comme l'un des plus inventifs et artistiquement stellaires au monde. Parmi ses principaux représentants, Bong Joon-ho, dont la filmographie impressionnante présente des pièces de cinéma exceptionnelles, telles que les drames policiers Memories of Murder and Mother , ainsi que ses débuts en anglais, le thriller de science-fiction Chris Evans, Snowpiercer . Son meilleur moment réside cependant dans son long métrage non conventionnel de 2006 The Host .
Après une élimination toxique dans la rivière Han, une créature hybride refait surface à Séoul et kidnappe une jeune écolière, mettant sa famille dans une quête impossible pour la sauver. Curieusement, pour un film monstre, The Host adopte l'approche surprenante d'une satire politique, avec l'humour idiosyncrasique de Joon-ho. Le résultat final est une comédie d'horreur très divertissante remplie de personnages charmants et de moments sincères, sans sacrifier quelques effrayes dignes et de véritables paniques.
En raison de sa direction artistique, de ses performances magnifiques et de ses images généreuses générées par ordinateur (c'était l'une des plus grandes productions sud-coréennes de l'époque), elle a été saluée comme l'une des meilleures offres du genre, se retrouvant sur la liste de Quentin Tarantino de films préférés sortis depuis qu'il est devenu réalisateur.
10 2046 (HONG KONG)
Hong Kongais Wong Kar-wai emprunte le chemin solitaire d'un véritable artiste. Son cinéma hérétique reste à l'écart des structures narratives conventionnelles. Ses films sont des exercices élégants d'esthétique atmosphérique et de narration visuelle. De toute sa filmographie, qui contient des joyaux tels que Chungking Express, Ashes of Time et In the Mood for Love , 2046 est peut-être l'échantillon le plus distinctif, car il rassemble tous ces éléments de marque qui lui ont valu le titre digne d'un auteur moderne.
En partie drame de personnage, en partie romance stylisée et en partie science-fiction de pointe, l'intrigue décousue et ségrégative des chapitres de 2046 peut difficilement être décrite. Largement associé à la mémoire, à l'obsession, à la luxure et au non-accomplissement, il peut être considéré comme l'étude ultime sur la nature sauvage de l'amour. Avec la direction lyrique de Wong Kar-wai, composée de plans époustouflants d'une rare beauté cinématographique, de la performance envoûtante de Zhang Ziyi et de la partition grandiose de Shigeru Umebayashi, le film invite les spectateurs à plonger dans son univers sensuel et expressionniste.
9 DOWNFALL (ALLEMAGNE)
Tout le monde a vu une de ces parodies et mèmes «Hitler réagit», mais tout le monde n'a pas vu le film réel duquel les images ont été prises. La scène montre l'explosion émotionnelle d'Hitler envers ses généraux au moment où il se rend compte que la guerre est perdue. Le grand acteur allemand Bruno Ganz incarne le leader nazi avec une plausibilité sanglante, dans une performance vraiment stupéfiante qui est facilement le summum de sa remarquable carrière.
Downfall est le deuxième film d'Oliver Hirschbiegel, après ses débuts très éprouvés et très choquants Das Experiment . Basé sur plusieurs sources et mémoires historiques, il relate les dix derniers jours d'Hitler à Berlin, avant la chute du régime nazi. Hirschbiegel traite une affaire extrêmement délicate avec une admirable clarté. Concentrée, solidement écrite et historiquement exacte, Downfall défie le spectateur avec sa représentation inspirante d'Hitler, permettant presque de ressentir de l'empathie pour le personnage le plus détesté de l'humanité.
Bien qu'il ait été un objet de controverse dans son pays natal, Downfall est universellement salué comme l'un des films de guerre les plus importants jamais réalisés.
8 SAINT MOTEURS (FRANCE)
L'ancien enfant terrible du cinéma français est revenu à la forme, vingt ans après le célèbre acclamé The Lovers on the Bridge, avec l'énigme cinématographique Holy Motors . Dans un sens, le film tourne autour du personnage énigmatique de Monsieur Oscar et des différents rôles réels qu'il assume, alors qu'il monte dans sa limousine vitrée. Cependant, les événements qui se déroulent sous nos yeux imprudents sont davantage liés à la logique du rêve qu'à la réalité.
Alors que beaucoup pourraient critiquer sa structure et son récit non conventionnels, Holy Motors est un coup de génie cinématographique. À travers une série de segments surréalistes et apparemment disjoints, Leos Carax présente une vision cinématographique imaginative et complètement folle qui a fait murmurer les critiques en extase partout où le film a été projeté. Charmant absurde et totalement original, c'est une folle étude de l'identité, un triomphe de la narration visuelle, et finalement une lettre d'amour au cinéma lui-même que Hollywood peut envier, mais n'oserait jamais faire.
7 LE RAID: REDEMPTION (INDONÉSIE)
Salué comme l'un des plus grands films d'action de tous les temps, The Raid: Redemption est la deuxième collaboration entre l'écrivain / réalisateur gallois Gareth Evans et l'acteur / artiste martial indonésien Iko Uwais. Le film suit une équipe des forces spéciales alors qu'ils se retrouvent piégés dans un immeuble de quinze étages dans leur tentative d'arrêter un vicieux seigneur du crime.
Ceux qui recherchent une narration forte et un développement profond du personnage doivent regarder ailleurs. Pour les fans du cinéma d'arts martiaux, cependant, The Raid est un spectacle pour les yeux endoloris. Incroyablement stylisé par l'approche novatrice de Evans et mis en scène par Uwais lui-même, le film présente l'ancienne technique de combat indonésienne de Pencak Silat, dans des montagnes russes à couper le souffle d'une action ininterrompue incroyablement conçue.
Il a été suivi d'une autre entrée réussie, The Raid 2 , et il est également prévu une troisième partie pour terminer une trilogie. Son influence sur Dredd d'Hollywood, qui est sorti l'année prochaine, ainsi que sur la scène de combat spectaculaire dans la cage d'escalier de la saison 2 de Daredevil est indéniable.
6 AMELIE (FRANCE)
Avant même le succès phénoménal d' Amélie , le réalisateur français Jean-Pierre Jeunet n'était pas étranger à Hollywood. La vision excentrique et Gilliam-esque qu'il a présentée dans ses deux premiers longs métrages Delicatessen et City of Lost Children, l'a conduit au fauteuil du réalisateur du quatrième épisode de la saga Alien, Alien: Resurrection, écrit par Joss Whedon.
Amélie suit de près les ébats quotidiens d'une jeune serveuse timide qui est déterminée à améliorer la vie de tous ceux qui l'entourent. Dans le contexte d'un Paris aux tons sépia et éblouissant et des accordéons nostalgiques de Yann Tiersen, Jeunet invente tout un univers de personnages particuliers et d'idées délicieuses, créant un film visuellement riche, à la fois fantaisiste, inspirant et hilarant à la fois. De plus, en raison de sa charmante performance, Audrey Tautou a été distinguée comme l'une des jeunes actrices les plus prometteuses, faisant ses débuts à Hollywood cinq ans plus tard avec The Da Vinci Code de Ron Howard.
Véritable succès mondial critique et commercial, Amélie est l'un des meilleurs films de bien-être de tous les temps. C'est une comédie romantique exemplaire qui éclipse facilement la plupart des offres hollywoodiennes du genre.
5 KUNG FU HUSTLE (HONG KONG / CHINE)
À sa sortie aux États-Unis, le regretté Roger Ebert a décrit Kung Fu Hustle "comme Jackie Chan et Buster Keaton rencontrent Quentin Tarantino et Bugs Bunny", esquissant parfaitement la substance du film. Le film est écrit, réalisé, produit, composé et interprété par le talentueux Hongkongais Stephen Chow. Kung Fu Hustle a réussi à poursuivre le formidable méli-mélo des arts martiaux et de la comédie slapstick que Chow a établi dans son précédent effort Shaolin Soccer , ce qui l'a mis sur le radar international.
Situé dans un Shanghai dirigé par des gangs dans les années 40, Kung Fu Hustle raconte l'histoire d'un aspirant gangster et de son acolyte dans leurs tentatives de rejoindre une équipe notoire. Chow a une capacité extraordinaire à mélanger différentes humeurs et genres. La comédie physique dans laquelle il excelle est en harmonie avec les moments dramatiques axés sur les personnages. Les spectaculaires combats de kung-fu - parmi les meilleurs jamais réalisés - sont idéalement assortis à la toile de fond du gangster. Outre son action hilarante de bande dessinée, le film déborde de hochements de tête nostalgiques et de références cinématographiques.
Kung Fu Hustle était la sortie la plus rentable à Hong Kong à l'époque et il a également réalisé la dixième ouverture la plus rentable d'un film étranger aux États-Unis. À juste titre, un autre des grands du cinéma, Bill Murray l'a considéré comme "l'accomplissement suprême de l'ère moderne en termes de comédie".
4 VILLE DE DIEU (BRÉSIL)
En 2002, le réalisateur brésilien Fernando Meirelles a dévoilé ce qui se trouve sous la surface des favelas de Rio de Janeiro dans son épopée gangster City of God . Racontant la relation entre deux amis qui se séparent, l'un dans la photographie, l'autre dans le crime, le film primé a remporté la plus grande ouverture brésilienne de tous les temps et l'une des séquences américaines les plus rentables pour un film étranger.
Basée sur le roman éponyme de Paulo Lins, mais aussi inspirée d'histoires réelles de ces quartiers notoires, City of God n'est rien de moins qu'un tour de force de réalisateur. Bien que les éléments troublants du film puissent entraîner une expérience de visionnement intense, l'approche de Meirelles à l'égard du matériau - qui rappelle quelque peu le style visuel de Scorsese - est si énergique et engageante qu'elle transforme un drame sévèrement violent en un film extrêmement divertissant.
City of God a conduit à une série télévisée dérivée intitulée City of Men , qui a ensuite été suivie d'un long métrage du même nom. Ce qui vaut vraiment la peine d'être regardé, c'est le documentaire City of God: 10 ans plus tard , un regard sur la vie des jeunes protagonistes dix ans après qu'ils aient été touchés par le succès phénoménal du film.
3 CROUCHING TIGER, HIDDEN DRAGON (TAIWAN / CHINE / HONG KONG)
Wuxia est un genre d'arts martiaux chinois traditionnel qui remonte aux années 1920 et a été largement établi par les films du légendaire Shaw Brothers Studio. Ces dernières années, Wuxia est apparu dans de nombreux films exceptionnels, comme Hero , House of Flying Daggers et The Assassin, et a également contribué au succès universel de la trilogie Kung Fu Panda . Le film, cependant, qui a popularisé la wuxia pour le public occidental et fait revivre le genre dans sa patrie, était le magistral Crouching Tiger d' Ang Lee , Hidden Dragon .
Se déroulant au début du XIXe siècle en Chine, le film tourne autour d'une épée légendaire vieille de 400 ans, la Destinée verte. Après que son maître l'ait confiée à un ami de confiance, déterminé à arrêter de se battre pour toujours, l'épée est volée par une mystérieuse figure masquée, déclenchant une chasse palpitante. Bien que le film soit plein de séquences de combat étendues et incroyablement chorégraphiées, orchestrées par le pionnier des arts martiaux Yuen Wo Ping, il reste à des kilomètres de l'action hollywoodienne typique. Le rythme intérieur poétique, presque hypnotique d'Ang Lee, ainsi que la partition captivante de Tan Dun, ont fait de Crouching Tiger, Hidden Dragon une expérience cinématographique enivrante.
Seize ans après sa sortie, il reste le film étranger le plus rentable aux États-Unis. Cette épopée remarquablement influente et primée aux Oscars a établi de nouveaux standards dans le cinéma d'action. Cela a également conduit à la suite de Netflix totalement oubliable de cette année, Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny .
2 LABYRINTHE DE PAN (MEXIQUE / ESPAGNE)
Disciple fidèle du genre fantastique, à la fois en tant que réalisateur et en tant que cinéphile, Guillermo Del Toro a atteint son apogée artistique en 2006 avec sa sombre fable Pan's Labyrinth . Situé en Espagne en 1944, juste après la fin de la guerre civile espagnole et l'établissement de la dictature de Franco, le film est une version tordue d'Alice au pays des merveilles, suivant la jeune Ofelia alors qu'elle se glisse dans un ancien labyrinthe, occupé par un faune mythique.
Travaillant sur le projet depuis plus de vingt ans, Del Toro y a mis tout son artisanat et sa magie, donnant vie à ses créatures d'un autre monde avec une combinaison inventive de CGI, d'animatronique et de costumes / maquillage lourds. Narrativement sans défaut et complexe sur le plan thématique, il est l'un des films fantastiques les plus sophistiqués jamais créés. Ayant grandi dans le centre turbulent du Mexique du siècle dernier, Del Toro avait été témoin de la cruauté et de la violence des hommes très tôt dans sa vie et en conséquence, il est devenu l'un des plus grands théoriciens modernes de l'horreur cinématographique. Le Labyrinthe de Pan est essentiellement une allégorie anti-guerre, une déclaration poignante contre les effets catastrophiques du totalitarisme.
Le film a été accueilli avec enthousiasme par la critique et le public. Il a remporté plusieurs prix et est universellement considéré comme l'un des chefs-d'œuvre absolus du cinéma fantastique.
